绘画

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October 19, 2021

绘画是具有一定审美品质的思想和情感在二维视觉语言中的艺术表达。绘画的元素,如线条、形状、颜色、色调和纹理,以多种方式使用,以在平面上产生体积、质量、空间、运动和光线的感觉。它们还与艺术表现相结合,以实现对真实或不真实的现象、叙述或完全抽象的视觉关系的表现。艺术家决定使用特定的绘画媒介、蛋彩画、壁画、油画、丙烯、水彩或其他水溶性颜料、墨水、水粉、彩绘、酪蛋白蛋彩画以及特定基材、墙壁、帆布、木板的选择、玻璃、微缩模型、照明手稿或任何其他当代绘画背景,是基于它们的感官品质和表达的可能性,但也基于所选选项或其组合的局限性。媒介和形式的选择,以及最终艺术家自己的创作技巧,赋予了最终结果一幅独特的绘画作品。自然、物体或具象绘画的表现; (静物、风景、肖像、裸体等),是通过结合绘画元素,使它们服从于形式和形式的自然规律而创造的。题材或抽象绘画与主观和情感的艺术表达有关,它不力求表现现实,而是创造新的现实。抽象画家通过自由使用基本元素来表达他的想法。将几何图形引入抽象绘画,与理性非客观的艺术表现有关。绘画是将颜料和胶水(粘合剂)的混合物涂在基材上的过程。在艺术方面,绘画是思想、观念的艺术表达,借助艺术元素,即构图设计,通过初步研究实现,或在史前、现当代绘画中,往往以直接的方式,没有初步的研究,画家以直觉为指导,以及他们解决构图问题的能力,目的是实现想象中的审美体验。这幅画的背景可以是一堵墙(在史前时代,出于实际原因,这些是洞穴岩石)、纸张、帆布、一块木板(例如拜占庭绘画的图标)、玻璃(大教堂中的彩色玻璃)、一盘铜和铝或任何现代和当代基材。在现代和当代绘画中,背景被视为绘画构图的一个组成部分,即根据材料的性质、可能性和局限性来选择背景。早期的文化传统——部落、宗教、艺术和手工艺协会、宫廷和国家——控制着绘画的艺术工艺、形式、肖像和主题,决定其功能,取决于它是仪式、虔诚、装饰、教育还是绘画. 仅用于娱乐。画家之所以被聘用,是因为他们能够成功地完成他们的预期任务,而不是因为他们的创造性个性。对艺术家作为创作者的理解是在文艺复兴后期发展起来的。著名画家随后将自己的地位等同于科学家和知识分子,并开始在他们的作品上签名,他们可以自由决定构图的设计,通常还决定画中将要呈现的图像和主题。与老主顾和各种老主顾的关系明显改善,有时还变成了友谊。然而,在 19 世纪,艺术家们开始失去教堂和宫廷长达数百年的赞助。一些人试图通过向感兴趣的观众收取门票的方式在私人空间和工作室举办展览来解决这个问题,而另一些人则开始进行巡回展览。以工业革命为条件,以产品广告销售为基础的市场经济也对艺术产生了影响,这导致艺术家也需要适应新的形势。然后出现了第一个私人画廊,即私人展览空间,其所有者从事艺术品销售和选定艺术家的广告。之后,将出现公共画廊和博物馆,艺术家通过公开竞赛或奖学金进入其展览空间。为了宣传该机构的作品和艺术家,他们最初使用印刷媒体、地方和国家呼应。最近,有电子媒体,最近才有互联网。今天,许多艺术家使用互联网和社交网络为他们作品的潜在买家做广告和交流,尽管即使在今天,画廊和博物馆等传统渠道的影响对任何艺术家来说也是相当重要的,如果不是最重要的话。绘画和其他类型的艺术作品无法通过复制品、印刷品或电子版成功地欣赏和欣赏,还有一个事实是,许多当代作品是专门为某个展览空间而创作的,因此在展览空间之外它们就失去了意义。应该提到的是,今天艺术家可以完全自由地创作,不受以前的限制。这在 20 世纪初引发了大规模的绘画实验,并因此产生了大量的绘画运动。

绘画表现的要素和原则

图像的构成是它的视觉格式;将线条、形状、颜色、色调和纹理排列成一个富有表现力的整体。一切都在它的位置上,没有任何东西可以增加或减少的感觉,是什么给一幅画一个完整的和独立的作品的最终外观。颜色的选择和某种图像或叙事内容的存在有时是为了呈现某个主题或场景而决定的,有时则是出于象征性原因。也有可能将两者都考虑在内。但即使是简单的颜色和形状的游戏也有能力传达某种氛围,唤起某种空间、体积、运动和光线的视觉感受,以及某些和谐和紧张的对比游戏,即使叙事象征意义不明确足够的。

表达要素

绘画表达的元素是线条、形状和质量、颜色、纹理、体积和空间,以及运动和时间组成部分的存在感。以上每一种都有其特殊的表现力。

线

线条是最古老的视觉表现方式;人类在史前洞穴墙壁上绘画的第一步始于对自然的线性描述。粗线和细线之间的正式联系,不间断的或断开的,弯曲的或有角度的,是在绘画史上各个时期的许多绘画中都存在的实现对比和重复的方法。缬草轮廓线的变化是另一种实现物体体积、空间关系、光线和纹理的方法。他最典型的例子是日本水墨画,表现的经济性和线条的活力与日本传统书法密切相关。除了颜色的轮廓外,线条还由颜色的色调和质量的所有边缘以及图像组织隐含地给出的一般运动的方向来表示。线条的所有这些不同用途的给出方式决定了图像内容和风格的构成。艺术家无论是在直觉的引导下,还是在构图的预定设计下,都通过关注整体形象来建立它们之间的联系,从而最终结果是多样性中的统一,这意味着不同的元素被统一为一个整体。除了具有特殊特征的线条图案的明显关联 - 例如,波浪线暗示俏皮的运动 - 还可以通过线性连接及其关系实现情感反应。因此,向上的线条可以暗示喜悦或渴望的感觉,向下的线条可以暗示悲伤或失败的气氛,而在构图右侧打开的线条比这样做的线条产生更愉悦的感觉左边。应该提到的是,所提到的感受会因文化、气候而有所不同,有时同一文化的某些人会有与所提到的不同的体验。

绘画表达

绘画理念的实现,无论是以画布上的油画颜料的形式还是以用笔在纸上绘制的图画的形式,都只是一种创造性行为。每一种艺术理念的特征都取决于艺术家与其绘画主题的心理和情感关系,以及手段的选择和使用方式。绘画的想法诞生于人看到他想看到的东西的意义上。由于每种艺术手段在图画(pictorial)表面上都有自己的存在方式,因此每个人都有自己的方式将光学符号连接到表面和表现中,以他希望看到的方式。艺术表达主要取决于创造力系数。艺术评论家根据创作冲动及其在形式上的表现,将普通艺术家与天才艺术家区分开来。可以说,艺术家表达了他对生活的感受,这些感受源于他通过与人、地点、事件、物体和想法的相遇而产生的经验。这些经历与联想和情感交织在一起,艺术家在自己身上融合和重新创作,了解艺术价值。如此创造的“想法”通过艺术家的知识和选择的手段获得形式和意义。表达成为艺术家赋予其情感视觉意义的一种风格形式;这是试图通过他那个时代的词典来谈论他的考试主题。因此,表达与艺术作品的基本组成部分直接相关。艺术家通过了解艺术价值,在自己身上融化并重新创作。如此创造的“想法”通过艺术家的知识和选择的手段获得形式和意义。表达成为艺术家赋予其情感视觉意义的一种风格形式;这是试图通过他那个时代的词典来谈论他的考试主题。因此,表达与艺术作品的基本组成部分直接相关。艺术家通过了解艺术价值,在自己身上融化并重新创作。如此创造的“想法”通过艺术家的知识和选择的手段获得形式和意义。表达成为艺术家赋予其情感视觉意义的一种风格形式;这是试图通过他那个时代的词典来谈论他的考试主题。因此,表达与艺术作品的基本组成部分直接相关。

表达的分类

作为文体形式的表达有两大类:个体和群体。群体表达属于一个整体的社会,是随着其文化的诞生和成长而形成和成熟的。群体表达的一个例子是古希腊“理想主义”文明的发展,在这种文明中,艺术家看到“人类被自己的命运改变了”。在这样的群体表达中,社会变化影响了他的风格,并且在对象、形式和意义方面发生了明显的变化。个体表达通过对对象、形式和内容的处理,更多地属于我们的时代,而群体表达属于过去。这可能是由于我们这个时代对自我肯定和个人主义的渴望。虽然在 19 世纪和 20 世纪的艺术中,有一群有着相似意图的艺术家,主要方向边界内的大量变体是显而易见的。从 19 世纪中叶到现在,当代对个性的强调使艺术表现形式的多样性比以往所有艺术史时期都多。考虑到当代艺术运动,我们可以看到过去的传统并没有被完全拒绝。事实上,这些传统正在根据现代品味进行重新评估。几个世纪以来,身体美的概念不断变化,每个时期都有自己的标准品味或规范——与现代女性美概念相比,鲁本斯画作中的女性看起来相当“胖”。同样,过去被忽视的某些艺术家现在往往更受欢迎;有时,即使是曾经被认为非常重要的整个艺术传统,现在也被认为不那么重要了。过去的任何艺术表现形式都不应被完全拒绝,无论其方向如何,因为它们中的每一种都有自己的审美价值和品质。重要的是,我们尝试以创造者“看”它们的方式“看”这些品质。这种“看”方式解释了为什么曾经被拒绝的传统现在完全可以接受,甚至比那些曾经被认为非常重要的传统更受重视。十九世纪末和二十世纪。二十世纪初。因为他们每个人都有自己的审美价值和品质。重要的是,我们尝试以创造者“看”它们的方式“看”这些品质。这种“看”方式解释了为什么曾经被拒绝的传统现在完全可以接受,甚至比那些曾经被认为非常重要的传统更受重视。十九世纪末和二十世纪。二十世纪初。因为他们每个人都有自己的审美价值和品质。重要的是,我们尝试以创造者“看”它们的方式“看”这些品质。这种“看”方式解释了为什么曾经被拒绝的传统现在完全可以接受,甚至比那些曾经被认为非常重要的传统更受重视。十九世纪末和二十世纪。二十世纪初。当代艺术的各种表现形式可以通过研究 19 世纪末和 20 世纪初发生的心理和社会变化来解释。当代艺术的各种表现形式可以通过研究 19 世纪末和 20 世纪初发生的心理和社会变化来解释。

现当代艺术表现

艺术史学家的任务是使某个时期发生的事情变得可以理解。批评者的工作是批评刚刚发生的事情。然而,在试图写下现在的历史时,最严重的问题之一是这两种功能都模糊了。最成功的艺术革命之一始于第一次世界大战之前。然而,从20世纪初开始,这些革命者的发展并不顺利。他们面临着敌对的媒体和嘲弄的观众,今天很难相信他们的作品展览是在机构的官方支持下组织的,而且观众们聚集在一起,渴望学习和吸收这些风格。当然,在 20 世纪发生了更小或更大规模的革命,但这些最初的前卫运动塑造了我们这个时代的艺术界。然而,今天的问题是丑闻不存在,几乎任何实验性的东西都可以为公众和新闻界所接受。如果今天有人需要捍卫者,那就是不屈服于时尚和古怪激进姿态的艺术家。这也是艺术史上最具戏剧性和最重要的转变,即。事实上,评论家和观众要求当代艺术家不断采取古怪和激进的姿态,拒绝传统和渐进式的进化。英国历史学家和艺术教授昆汀·贝尔 (Quentin Bell) 在 1964 年的著作《人文危机:欺诈或骗子》中谈到了美术。为公众所知的画家和雕塑家完全反对激进的创新;金钱、影响力和赞助,一切都在他们身边。今天你可以说情况发生了逆转。公共机构,如艺术委员会、英国文化协会和广播公司、大企业、新闻界、教堂、电影院和广告商,都代表着所谓的——这个名字不太恰当——不墨守成规的艺术……公众吞噬一切,或者至少有一个非常“在大西洋的另一边,创造了动作绘画一词的美国当代绘画冠军哈罗德·罗森伯格,”在发表在《纽约客》上的一篇文章中,艺术地评论道。 1963 年 4 月 6 日,指的是公众对 1913 年纽约第一次前卫艺术展(Ermori 秀)的反应与他所描述的“前卫观众”的新型观众的不同:“前卫观众是对所有人开放。它最响亮的代表——保护人员、博物馆馆长、艺术教授、画廊所有者——努力在画布上的油漆干燥或塑料硬化之前发起和组织展览并为绘画提供解释。希望帮助寻找工作室(艺术家)作为优秀研究人员的评论家,旨在定位未来艺术并成为第一个创造声誉的人。艺术史学家时刻保持警惕,准备好相机和笔记本,不会错过任何一个新细节,并确保它为子孙后代登记。新闻传统已将所有其他传统简化为琐碎……”罗森伯格认为评论家和艺术史学家对这种变化做出了贡献,他当然是对的。还有一种诱惑是过于理智地写艺术,他们中的许多人已经这样做了,今天仍然这样做。但是,与误导性印象相比,所提到的并不是最大的危险,即艺术中唯一重要的是变化和新奇。二十世纪(以及我们这个时代)对艺术和艺术史的极大兴趣是许多因素改变了艺术和艺术家在我们社会中的地位的结果,即使艺术比过去“更现代”。第一个是,毫无疑问,这与每个人都经历过进步和变化的经历有关,我们这个时代将人类历史视为一系列“线性”连续时代,这些时代已经融入我们的时代,并进一步引领未来。我们知道石器时代和铁器时代、封建时代、工业时代和我们的技术革命。很可能,在这些交替的变革中,人类社会和艺术本身的发展得到的损失与得到的一样多。也许我们不再乐观地看待它们。自 19 世纪以来,这种时代的进军势不可挡的信念已经根深蒂固。艺术,就像其他人类活动、经济、文学等一样,根深蒂固在这个不可逆转的过程中。事实上,艺术被认为是其时代的基本表现。难道我们都没有印象,一座希腊神庙,一座罗马圆形剧场,一座哥特式大教堂或一座摩天大楼表达了一种不同的心态,象征着一种不同的社会?这种理解有部分真理。古希腊人无法建造现代摩天大楼,他们很可能对建造大教堂不感兴趣。然而,有一个关于时代标志或精神的隐含观念,即它必须不惜一切代价出现在帕台农神庙中,封建时代不会是没有大教堂的时代,我们是如此注定要建造摩天大楼。当然,从这个角度来看,不接受你那个时代的艺术是无关紧要的,也是愚蠢的。按照这种理解,只要宣布任何风格或实验是当代的,就足以让评论家感到有必要理解和推广它。因为求新求变的理念,批评家失去了批评的勇气,变成了普通的编年史家。这种意图转变的理由在于早期批评家在承认和接受新风格的出现方面臭名昭著的失败。作为他们失去自信的最明显例子,他们引用了印象派受到的敌意,他们后来声名鹊起,他们的作品今天仍然在拍卖会上以神话般的人物出售。创造了一个现代传奇,所有伟大的艺术家在他们的时代都被拒绝和嘲笑,现在观众正在努力不嘲笑任何人。艺术家代表未来的前卫,如果我们不知道如何欣赏他们,我们就会在社会上变得愚蠢,这种想法已经在广泛的少数群体中传播开来。第二个也是造成这种情况的原因,与科学技术的发展有关。众所周知,现代科学的思想在一般人看来往往是不可理解和不可理解的,但无论如何,它们是有道理的和有效的。这里最令人震惊的例子当然是爱因斯坦的相对论,它似乎与所有关于时间和空间的常识概念相矛盾,但却导致了导致原子弹的质量和能量方程。评论家和艺术家都对科学的力量和威望印象深刻,除了对实验的健康尊重之外,他们还从中获得了另一种对一切似乎难以理解和难以理解的不那么健康的信仰。然而,科学与艺术的不同之处在于,科学家可以通过理性的方法将不可理解的事物与荒谬的事物区分开来。艺术评论家没有这样明确的证据。所以他觉得他再也不能花时间分析一个新的实验是否有意义。如果他这样做,他就有可能随着时间的推移而失去步伐。最有可能的是,这对过去的评论家来说并不重要,但今天几乎普遍认为,那些坚持旧的艺术观念而不想改变的人最终会面临“射击墙”。在经济学中,我们经常被告知我们必须适应新的情况,否则就会死亡。所以在艺术中,要保持开放的观点,不断给新提出的方法和实验机会。今天没有企业家可以冒险承担保守主义的耻辱。它不仅必须是最新的,而且还必须看起来是最新的。确保这一点的方法是用最新艺术趋势的作品装饰会议室,越激进和革命性的作品越好。第三个因素很可能严重否认了迄今为止提到的所有内容。因为艺术不仅要跟上科技的步伐,还要提供一种逃离这些“怪物”的方法。毕竟,艺术家们正在逃离理性和机械,他们中的许多人已经接受了一些强调自发性和个性价值的神秘信仰。当然,很容易理解,人们感到受到机械化和自动化的威胁,因为我们的生活过度组织和标准化,特别是因为这些要求的可悲的墨守成规。艺术因此被呈现为一个避难所,在那里仍然允许奇思妙想和个人特点,甚至他们也受到高度重视。从 19 世纪开始,许多艺术家宣称自己是反对浮夸的传统主义的战士,并将资产阶级作为他们的主要任务。但让他们没想到的是,与此同时,资产阶级却发现,惊奇变得很有趣。看着那些拒绝长大但仍然在现代世界中找到自己位置的人的奇观,难道我们所有人都感到欣慰吗?能够通过拒绝受到诽谤或让我们目瞪口呆来增加我们没有偏见的所有这一切,难道这不是一种附加价值吗?通过这种方式,技术效率的世界和艺术的世界达到了一种临时方式。艺术家可以退回到他的内心世界,沉浸在他手艺的奥秘和他童年的梦想中,前提是,至少,它仍然停留在当代观众对艺术是什么的概念上。所提到的感知被某些关于艺术和艺术家的心理猜想所影响。有一种所谓的“个人表达”(autoexpression)的思想可以追溯到浪漫主义时代。另一方面,弗洛伊德在精神分析领域的发现给人们留下了深刻的印象,认为艺术与精神障碍之间有着密切的联系,比弗洛伊德本人愿意接受的要深刻得多。超现实主义对这种理解做出了重大贡献,宣布疯狂状态具有创造潜力。结合日益增长的艺术是其时代表达的信念,这些信念可能导致艺术家不仅有权利,甚至有义务放弃任何形式的自我控制。如果观察的结果不美丽和愉快,那是因为我们的现实根本不美丽和愉快。重要的是要面对这些严酷的现实,以便通过对抗,可以确定“我们的”疾病的严重程度。相反的想法,即在这个原本不完美的世界中,只有艺术能够给我们一丝完美,被认为是逃避现实。心理学创造的兴趣促使艺术家和观众探索以前被认为是令人厌恶或禁忌的人类心理领域。为了避免逃避现实的耻辱,许多人不得不将注意力转向那些会被前几代艺术家和观众强烈拒绝的奇观。迄今为止所提到的因素,就像绘画和雕塑一样,影响了文学和音乐的形势。美术与所有其他创作形式的不同之处在于,它们对中介的依赖程度最低。书籍需要印刷和出版,戏剧作品和音乐作品必须被解释,对一种中介乐器的需求阻碍了极端实验。因此,绘画成为最适合所有其他艺术的激进创新。想把颜料洒在画布上就不用刷子了,如果是新达达主义者,你也可以把垃圾扔到一个展览上,从而激起主办方拒绝艺术家和他的作品。然而,真正的事实是,最近艺术家也需要一个中介:艺术品经销商或展示和推广其作品的游行队伍。不用说,它仍然是一个问题,但到目前为止所讨论的所有影响都比评论家或艺术家本人更能影响进行曲。因为如果有人必须倾听变化的晴雨表,追随当前的趋势并警惕地记录新人才的出现,那么这就是进军。如果他赌赢家的马,他不仅会赚到一大笔钱,而且他的客户也会对他心存感激。上一代的保守派评论家曾经抱怨说,围绕现代艺术的所有这些都是游行者创造的蒙太奇。但他们的目标一直并且仍然是从艺术品的推广和销售中获利。可能曾经有一段时间,正确的选择赋予了游行力量和声望,随着时间的推移建立和打破声誉,但游行并不是变革之风的原因;就像风车是风的原因一样。艺术教育,尤其是早期教育,是当前形势下非常重要的一环。教育革命首先在儿童艺术教育中显现出来。在 20 世纪初,艺术教师明白,如果孩子们放弃了困难且具有破坏性的传统艺术学习方法,他们就可以付出更多。当时,这些方法对印象派和新艺术风格实验的成功产生了怀疑。这场将教育从传统中解放出来的运动的创始人希望孩子们的才能在自由中得到发展,直到孩子们充分形成能够欣赏艺术规则的能力。获得的成果在他们看来十分壮观,儿童作品的魅力和独创性让专业艺术家们羡慕不已。除此以外,心理学家已经开始重视孩子们在玩弄颜色和橡皮泥时所体验到的纯粹乐趣。正是在艺术教室里,许多人特别重视自我表达的理想。今天,我们很自然地使用儿童艺术这个词,没有注意它与前几代人对艺术的所有理解相矛盾的事实。大多数现代观众都被灌输了新的宽容的教育所制约。许多人已经尝到了自由创作和绘画实践所带来的乐趣,这是一种从日常生活中放松的方式。业余爱好者数量的快速增长在许多方面影响了艺术。好吧,虽然它对艺术产生了更广泛的兴趣,专业艺术家可能会对此表示感谢,他们仍然觉得有必要强调艺术家和业余爱好者对色彩的操纵之间的区别。经验之笔的神秘性可能与此直接相关。现代艺术实验出现的最重要的原因之一(如果不是最重要的)与作为绘画竞争对手的摄影的传播有关。过去的绘画并非只有模仿现实的唯一目的,而是与现实的联系提供了一种支持,一种挑战,让艺术家中最有特权的知识分子占据了数百年,并为批评家提供了一个初步的、肤浅的标准。估价艺术品。摄影的出现可以追溯到 19 世纪初。今天,每个国家都有数百万的相机用户,随着带有内置相机的现代智能手机的出现,这一数字更是如此。每天拍摄的照片数量以十亿计。其中可能有那些与许多风景画一样美丽和令人回味的作品,也与许多肖像画一样富有表现力和引人注​​目。因此,“摄影”这个词在画家和艺术鉴赏家中成为诅咒也就不足为奇了。他们有时引用拒绝的原因可能看起来反复无常和不公正,但艺术必须探索表现和模仿自然的替代方案的论点已被许多人接受。上世纪八十年代,在作为绘画的愤怒竞争对手一段时间后,摄影终于在美术中获得了平等的地位,今天许多当代艺术家专门在这种媒介上进行实验。摄影艺术实验展和绘画展一样受欢迎,尽管在观众和评论家中,仍有人根据个人喜好偏爱一种或另一种媒介。

绘画材料

颜料

用于绘画的颜料是不溶于水、粘合剂和溶剂的有色粉状物质。它们可用于覆盖表面,但不能用于绘制表面。由于这一特性,这些染色粉末(干染料)不同于能够对植物和动物纤维进行染色并用于纺织工业染色的染料。颜料在化学上是氧化物、硫化物、硫酸盐、铬酸盐、碳酸盐、磷酸盐和金属硅酸盐;极少数情况下,如巴黎(普鲁士)蓝和翠绿色,它们以金属有机化合物的形式出现。炭黑很少见,因为它只由一种元素组成——碳。除无机颜料外,通过一些有机化学过程产生的少量有机染料也用于绘画。有机和无机来源的颜料可分为一组天然(通过某些物理和化学作用在自然界中产生)和一组通过实验室有计划的针对性化学过程获得的人造颜料。天然无机颜料有赭石、干草、本影等。人造无机颜料有镉黄、现代群青、锌白和钛白等。天然有机染料可以来自植物和动物。第一类包括靛蓝、西兰花等,第二类包括印度黄、棕褐色等。人造有机色素有茜素红、酞菁蓝和绿色等。泥土颜料是从某些沉积物中获得的天然无机物质,经过机械加工。制备过程主要由原料粉碎、加水混合、过滤、沉淀、根据谷物细度干燥和选择。这种处理的目的是获得一种合适的粉末状态的颜料,不含化学活性杂质,如可溶性盐或一些有机物质。这样,赭石、干草、本影等就准备好了。煅烧过程,即在较高温度下加热,可以不可逆地改变大多数土颜料的颜色特性。由于脱水,黄色和棕色土壤变成深红色或深棕色。这个过程产生红赭石、烤干草和烤本影。暴露在较高温度下的绿色土壤会变成透明的棕色(一些生产商将其商业化为绿色烤棕)。天然无机颜料也可以通过研磨(粉碎)某些矿物质来获得。孔雀石和天然群青(青金石)曾以这种方式制备。在非常高的温度下,获得了无机颜料,如朱砂、现代超颜料等。锌或钛蒸气的氧化产生锌和钛现代白色颜料。燃烧油或脂肪产生的气体冷凝会产生黑烟灰。骨头或藤蔓的煅烧会产生其他黑色颜料(例如黑色马菲尔)。酸腐蚀某些金属会产生某些无机颜料:铅白、铜绿等。许多人造无机颜料是通过在允许有计划的化学反应的条件下从两种或多种金属盐的溶液中沉淀而产生的。例如,硝酸铅对铬酸钠的作用会产生黄色沉淀——黄色铬颜料。天然有机染料存在于植物或动物有机体中,主要是通过简单过程分离、化学处理然后固定在基质(水合铝等)上的成品物质。印度黄、圆点、藏红花、口红等天然有机颜色不再用于现代绘画,因为它们的缺点主要是长时间暴露在光线下不稳定,尽管几乎所有制造商都提供相同或相似色调的颜色。名称,由其他颜料或现代化学过程的组合创建。人造有机染料是通过更复杂的化学过程获得的,主要是通过合成石头和棕色油的蒸馏产物。合成有机染料也沉积在基材上,因为这样束缚在颗粒上的惰性物质可用于配制油漆涂料。

绘画颜料的特性

适用于涂装的颜料必须能耐光、防潮、耐碱和耐酸。它们必须在合适的粘合剂中保持稳定,并且在相互接触时表现出化学中性,不会导致化学反应。然而,阳光的直接和连续作用会在某些颜料中产生一定的光化学反应。当暴露在光线下时,它们会褪色或变得更暗、更暗。这些变化取决于强度和照明的持续时间。在某些情况下,此类变化仅在其他因素(例如水分)的支持下才会发生。大多数有机颜料,以及一些较旧的天然和较新的合成颜料,都没有足够的耐光性。在无机颜料中,氧化物具有适当的耐光性。朱砂(硫化汞)是一种在暴露于它时会变暗的物质。硫化氢和二氧化硫的浓度,以及最近的二氧化氢浓度都非常高,尤其是在城市地区。当然,将图像与这些破坏性化合物接触的可能性很大。酸性硫气体会导致某些颜料发生某些化学反应,从而导致其颜色发生不良变化。在这种情况下,19 世纪之前广泛用于绘画的白色碳酸铅会转化为黑色硫化物。群青、所有镉颜料和其他颜料对所有酸都极为敏感。破坏碱的颜料,如普鲁士蓝,在与石灰接触时变成棕色,不用于壁画和酪蛋白蛋彩画。由于某些颜料的相互化学活化,颜色也会发生变化。由于颜料颗粒之间更直接的接触,这种反应在水性粘合剂中发生得更频繁,而不是在油画颜料中,其中每个材料颗粒都涂有相对不可渗透的油性粘合剂膜。这些副作用发生在硫化物和含铅或铜的颜料之间。现代优质专业油漆制造商试图防止此类现象出现在他们的产品中,避免使用含有杂质和活性成分(游离硫)的颜料,其形式和数量会在油漆中引起不可预测和不良反应。这种危险仍然存在于含有外国化学成分的劣质和太便宜的产品中。根据一些观点,载氧颜料会导致某些有机颜色的褪色。所有颜料的色调强度和深度并不相同。有些自然更苍白,有些则更暗。在专业油漆涂料的生产中,特别注意每种涂料所属颜料类型对应的颜色。然而,个别颜料的化学纯度并非在所有情况下都是完美的。天然无机来源的劣质颜料,天然彩色泥土,通常含有其他导致颜色变暗的有机物质。然而,外来杂质也可以计划添加到某些颜料中。在基于更昂贵颜料的更昂贵类型的油漆中,所有的镉和钴颜料,例如,都添加了不会显着改变原始材料基本特性的惰性填料。钛白中加入其他惰性颜料,以降低其极强的着色力,从而适应其他颜料。这种类型的修正并不少见,并且通常对某些现代颜料的有效性做出重大贡献,这些颜料本质上具有一些小缺点。在其他一些情况下,例如,普鲁士蓝和铬黄的混合物产生铬绿,由于其特殊的化学特性,可以产生价值可疑的颜料和颜色。普鲁士蓝和铬黄的混合物产生铬绿,由于它们特殊的化学特性,可以产生价值可疑的颜料和颜色。普鲁士蓝和铬黄的混合物产生铬绿,由于它们特殊的化学特性,可以产生价值可疑的颜料和颜色。

颜料透明度

颜料可以是透明的、半透明的和不透明的。然而,它们的透明度取决于它们所处的条件。粘合剂在这方面至关重要。粘合剂和颜料之间光的折射率差异越小,颜色越透明。一般来说,颜料在油性粘合剂中比在丙烯酸中更透明,因为在第一种情况下折射率的差异较小,在第二种情况下较大。随着时间的推移,即使在干燥后数年或数十年,油的折射率也会增加并变暗。在这种情况下,随着颜料和粘合剂之间的折射差异减小,颜色变得更加透明。由于这种现象,在较旧的绘画中,通过上层颜料提供了以白色为主的绘画或较深的底色(黑色、烤土色或威尼斯红)。颜色的不透明度因颜料的细度而增加,因为光会从大量颗粒反射。涂在较厚涂层表面的透明颜料变得不透明,因为光的吸收和反射随着颗粒数量的增加而增加。颜料的颜色(亮度和色调深度)也取决于上述条件。在不同的粘合剂中,相同的颜料可能看起来不同。折射差异越大,因此光的反射越大,颜料越亮,反之亦然。在绘画中使用的所有粘合剂中,颜料的色调比干燥状态下的色调更深,因为这种介质的折射率高于空气。例如,群青(I. R. 颜料 1.50)在干燥状态(I. R. air 1.00)中比在油中(I. R. oil 1,48)由于折射差异较小,它具有更深的蓝色色调。因此,群青在水性(I. R. 1.33)中颜色较浅,在油性粘合剂中颜色较深。着色或着色的强度,即色调的值,对于所有颜料来说也不相同。例如,可以从一部分黑色和约二十份钛白中获得某种灰色阴影。只有两倍的铅白颜料才能获得相同的灰色。白锌的用量必须增加三倍才能达到同样的目标。普鲁士蓝、酞菁蓝、镉黄和红色等具有极强的着色力。绿土(或绿本影)钡黄等弱效。现代管内油漆制造商用白色正方形标记透明颜料,用对角线分为白色和黑色的正方形标记半透明,和不透明的黑色方块。

历史上的颜料

石洞壁画

史前时期的洞穴壁画证明,现代画家的远古祖先可以选择的颜色相当狭窄。这些是他在周围环境中很容易找到的颜料:棕色和红色的泥土以及来自烧焦的木头和骨头的黑色。有色矿物粉末:朱砂、雌黄、雄黄、蓝铜矿、孔雀石只会在历史的早期使用。人工获得的颜料也自古为人所知,尤其是埃及蓝、铅白、铅红、铜绿等。

古埃及

一个现存的埃及调色板,大约有三千五百年的历史,显示了两种赭石(浅黄色和暗淡),红土,埃及蓝,绿色,白色和黑色。然而,据信选择不仅限于该调色板上的颜色,而且埃及人有大约 15 种不同的颜料,甚至使用了一些自然来源的有机颜色,这些颜色会随着时间的推移而褪色,因此无法识别保存下来的物品。

旧中国

古代中国人从煤烟中得到黑色,而黄色、橙色和红色则是用过氧化汞制成的。靛蓝和孔雀石绿,在铅白之前使用贝壳粉。他们还知道一些天然有机来源的深红色和亮黄色。

古希腊和罗马

古希腊使用的颜色大多不为人知,因为书面证词不够令人信服,而且这些颜料只能在彩绘花瓶的基础上说出来,因为这些画没有保存下来。白色是来自 Melos 的白垩和天然碳酸铅,黑色来自骨头 (elefantinum) 则归功于传奇画家 Apeles。葡萄树的黑色也被使用,在赭石中,阁楼棕土特别珍贵。红色是synopy,烤赭石和天然朱砂。古罗马作家维特鲁威等记录了希腊绘画后期可能使用的颜色数据。根据维特鲁威的说法,颜色分为那些“。它们位于某些地方并在那里挖掘”和其他“......混合并通过混合制备”,这清楚地表明,除了天然色素外,人工(化学)制备的色素也是已知的。阁楼黄土(sil,ohra)的价格非常高,尽管赭石本身并不是一种稀有材料。维特鲁威说,在雅典附近寻找白银的矿工,当他们偶然遇到赭石时,“表现得好像它是银子”。最受欢迎的红土位于小亚细亚黑海沿岸城市锡诺普的本都河上。在地中海的一些岛屿上也开采了一种红色颜料,但似乎不太受欢迎。 White (melinum) 是从 Melos 岛获得的,而另一种近似特性 (paraetonium) 是在利比亚的地中海沿岸开采的。绿土(theodoteon)由士麦那提供。金黄色雌黄 (arsenikon) 和黄红色 (sandaraka) 均来自 Pontus 的矿山。详细解释了朱砂和他在阳光的直接作用和维特鲁威的各种大气影响下变暗的能力。绿色颜料(chrysocolla)来自马其顿的铜矿。通过燃烧树脂,制备黑色。维特鲁威还详细描述了如何用铅和醋制备白色。他说埃及蓝产自意大利的普佐利(Pouzzoli)。从维特鲁威的著作来看,古希腊人和罗马人知道大量天然和人工来源的颜料。绿色颜料(chrysocolla)来自马其顿的铜矿。通过燃烧树脂,制备黑色。维特鲁威还详细描述了如何用铅和醋制备白色。他说埃及蓝产自意大利的普佐利(Pouzzoli)。从维特鲁威的著作来看,古希腊人和罗马人知道大量天然和人工来源的颜料。绿色颜料(chrysocolla)来自马其顿的铜矿。通过燃烧树脂,制备黑色。维特鲁威还详细描述了如何用铅和醋制备白色。他说埃及蓝产自意大利的普佐利(Pouzzoli)。从维特鲁威的著作来看,古希腊人和罗马人知道大量天然和人工来源的颜料。

中世纪、文艺复兴和巴洛克

在中世纪的绘画中,使用的颜料大多与古典时期已知的颜料相同。直到 18 世纪初,才出现了重大的创新。即使在油画发展和统治时期,老大师的调色板也没有发生重大变化。扬·凡·艾克 (Jan van Eyck) 是 15 世纪上半叶油画的主要先驱之一,在他的调色板上使用了以下颜料:棕色verdacho、有机红色(西兰花)、天然群青(青金石)、赭石黄、绿色大地、装饰品、synopia、炭黑制成的黑色和铅白色。鲁本斯在 17 世纪上半叶的巴洛克时期使用颜料:铅白、赭石黄、有机黄、有机红、朱砂、赭红、天然群青、氧化钴、孔雀石绿、绿土、烤干草和骨黑。

从浪漫主义开始

18世纪初,随着化学的加速发展,大量新的颜料被发现,其中许多至今仍在绘画中使用。该系列中的第一个是 1704 年的普鲁士蓝。稍作停顿后,在 18 世纪的最后四分之一发现了几种新的颜料。这些是贝壳绿、钴绿,并且正在考虑引入锌白的可能性。 20 世纪初,人们发现了钴蓝,不久之后又发现了铬黄。其次是镉黄、现代群青、氢氧化铬绿(翠绿)、氧化铬、钴紫等。 1856 年,Perkin 合成了第一种焦油涂料 Movein。因此,1868 年茜素的合成是一项重大改进,也是发现新合成染料的重要一步。今天仍在使用的颜料可以根据使用的开始进行分类。从史前时期开始:黑烟灰、棕色和红色泥土。古埃及、中国、希腊和罗马:铅白、朱砂、绿土。中世纪:本影、干草、那不勒斯黄。 18 世纪:巴黎蓝。 19世纪:钴蓝、钴绿、镉黄、锌白、现代群青、氢氧化铬绿(翠绿)、钴紫、钴黄、氧化铬绿、蔚蓝、锰蓝、茜素红。 20世纪:镉红、锶黄、钛白、汉莎黄、酞菁绿和蓝。在一些当代画家的调色板上,人们可以找到各种各样的颜色,其中相当多的颜色是纯的、未混合的颜料,也有那些是由两种或多种颜料混合而成的。最负盛名的专业油漆制造商有多达 150 种,甚至有更多颜色可供选择,这远远超出前几代画家的想象。然而,画家和其他艺术家一样,是个人喜好不同,因此除了不会使用市场上提供的所有颜色外,每个人都有不同的最常用的基本颜色选择。

粘合剂

粘合剂是颜料结合或粘附在油漆基材上的一种方式。如前所述,绘画颜料不是用于绘画不同材料的涂料,而只能覆盖它们,这就是它们需要粘合剂的原因。根据粘合剂的类型,我们区分不同的绘画技巧。例如,在壁画中,除了湿砂浆外不使用粘合剂,通过干燥将颜料整合到其表面。在干式技术(如粉彩)中,少量的阿拉伯橡胶和粉笔用于渐变较浅的色调。在水技术中,水彩、水粉和蛋彩画,使用各种树胶、酪蛋白和蛋黄作为粘合剂,将颜料粘在基材表面。在彩绘中它是蜡和各种树脂,在油画干油、亚麻、罂粟等中。和各种干燥剂,也就是说,油与树脂的混合物可提高干燥速度并保护图像免受某些外部影响。在丙烯酸​​涂料的技术中,使用合成介质作为粘合剂,因此使这幅画具有几乎塑料的外观。

油画是用与干性油介质结合的颜料进行绘画的过程。例如亚麻籽油,在现代早期的欧洲被广泛使用。油通常与松脂等树胶或什至香一起煮沸;它们被称为清漆,因其一致性和光泽而备受推崇。随着时间的推移,油画颜料因其好处广为人知而成为用于创作艺术作品的主要媒介。转变始于北欧早期的荷兰绘画,到文艺复兴时期,油画技术在欧洲大部分地区几乎完全取代了蛋彩画。

粉彩

粉彩是一种棒状的绘画介质,由纯颜料粉和粘合剂组成,通常是阿拉伯橡胶。粉彩中使用的颜料与用于生产所有其他彩色绘画介质(包括油画)的颜料相同;粘合剂色调中性,饱和度低。与其他任何工艺相比,柔和色彩的效果更接近于天然干燥颜料。由于粉彩画的表面易碎且容易染色,因此其保存需要采取保护措施,例如在玻璃下装框;它们也可以喷上固定剂。然而,当使用永久性颜料制作并妥善处理时,柔和的图像可以保持几个世纪不变。粉彩不容易受到影响,就像用液体介质制作的画一样,由于干燥过程中所用粘合剂、不透明度或介质尺寸发生化学变化而导致的开裂和变色。

丙烯酸纤维

丙烯酸涂料是快干涂料,含有悬浮在丙烯酸聚合物乳液中的颜料。丙烯酸涂料可以溶解在水中,但干燥后会变得防水。根据溶解(在水中)或用丙烯酸凝胶、介质或糊剂改性的油漆量,完成的丙烯酸画可能类似于水彩画或油画,或者具有其他介质无法实现的独特特性。大多数丙烯画和油画之间的主要实际区别是固有的干燥时间。油可以让更多时间混合颜色并在图像上均匀涂抹。油的这种缓慢干燥方面可以被认为是某些技术的优势,尽管它也会干扰艺术家快速工作的能力。

绘画技法

有一些技术类别是由它们自己的程序决定的;

绘画方向

绘画中的时期从一个到另一个合并,因此所述年份仅标志着某个时期的大致开始和结束。

世界著名画家

世界名画

达芬奇 - 蒙娜丽莎,最后的晚餐文森特梵高 - 自画像,向日葵克劳德莫奈 - 罂粟花

塞尔维亚画家

Uros Knezevic Nadezda Petrovic Uros Predic Paja Jovanovic Jovan Bijelic Milena Pavlovic-Barili

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第三次绘画的绘画规则的历史

参考

文学

外部链接

架上绘画技法(YouTube 视频;西班牙语) 贝尔格莱德国家博物馆外国艺术收藏 国家博物馆收藏 20 世纪南斯拉夫绘画 国家博物馆收藏 18 和 19 世纪塞尔维亚绘画 过时: Damir Savić,RTS 文化遗产 - 塞尔维亚画家官方频道艺术画廊,100 位画家和 4000 多幅画作的展示 “绘画技术”- 关于绘画材料和技术的博客 为什么这幅画要花费 9500 万美元?(B92,2015 年 12 月 18 日)