20世纪古典音乐

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November 27, 2021

与前几个世纪的西方古典音乐相比,20 世纪的古典音乐变得极为多样化。直到 19 世纪,作曲家,甚至来自不同国家的作曲家,都基于相似的音乐风格创作。例如,维也纳古典时代(约 1740-1820 年)的作曲家问,用什么来作曲,用什么乐器演奏管弦乐队,什么是好听的声音。我在想类似的事情问题。相比之下,20世纪的经典是多种多样的。许多“音乐家”的诞生是因为有许多作曲家对作曲方法有不同的想法,他们追求的格式、声音和音乐美与迄今为止尝试过的不同。20世纪古典音乐中的许多“音乐团体”的名称在词尾都有“原则”。有些受到爵士乐、世界音乐(非西方古典音乐)和民歌(民歌)的影响。再者,20世纪下半叶,“电子音乐”诞生,后来的“极简”、“后现代”等音乐也诞生了。通常,一个时代的名称是在时代过去之后给出的。因此,如何称呼20世纪的古典音乐是一个难题。另一方面,1900年以后的音乐常被统称为“当代音乐”,1975年至今21世纪的音乐有时被称为“当代音乐”。本节介绍 1900 年至 1999 年创作的音乐。

第二维也纳学派与新古典音乐

在20世纪初的作曲家中,以调性为基础的音乐系统已经从和声的变化转变为以理查德·瓦格纳歌剧《特里斯坦与伊索尔德》中出现的特里斯坦和弦为代表。不同的方法并尝试了一些新的东西。阿诺德勋伯格和伊戈尔斯特拉文斯基是当时最重要的两位作曲家。他们对音乐理论也有非常不同的想法。

第二维也纳学校

在勋伯格的案例中,他主张将“无调性”的概念作为调性音乐的延伸。他进一步推动了这一趋势,并最终将其发展为一种称为“十二音技术”的构图理论。这是一种由按特定顺序排列的“声音序列”组成的无调性音乐创作技术,可以在一段音乐中转化为各种形式。使用十二音技法的构图方法称为“串行主义”。许多作曲家都受到勋伯格十二音技法的影响,尤其是他所控制的安东·韦伯恩和阿尔班·伯格与他的老师勋伯格的稻田一起被称为“第二维也纳学派”。

新古典主义音楽

斯特拉文斯基是俄罗斯作曲家,受俄罗斯文化启发创作了名为《春之祭》的芭蕾音乐。春之祭充满了不规则的节奏,让舞者感到困惑,有些部分变成了多调。后来,斯特拉文斯基通过在 18 世纪巴洛克音乐时代创作的音乐旋律中加入不谐调,如普奇内拉,开始创作具有新颖和声的音乐。这样的构图方法被称为“新古典主义”。许多人将斯特拉文斯基的音乐视为与连续音乐相对立的,但斯特拉文斯基本人在晚年开始使用十二音技巧。在法国,一战后,受诗人让·谷克多和作曲家埃里克·萨蒂影响的新古典主义音乐派法国六人组合出现,反浪漫,反浪漫,我一边工作一边抚养德彪西。

印象主义

在法国,一场名为“印象派”的艺术运动在绘画领域蓬勃发展,一些作曲家对此产生了兴趣。克劳德·德彪西以通常被称为“印象派(绘画)”的风格创作音乐。受爪哇音乐的启发,他将整体音阶和五声音阶融入到他的音乐元素中。德彪西的音乐运用了交响诗《海》和牧神午后序曲等技法,整体调性清晰,但调性处处隐约模糊。莫里斯·拉威尔(Maurice Ravel)的音乐,也被称为印象派的主要作曲家,与德彪西有一些相似之处,但他独特的管弦乐方法造就了一部与德彪西不同的作品。随后的法国作曲家包括,例如,奥利维尔·梅西安 (Olivier Messiaen)。Messiaen 使用一种新的基于音阶的系统,称为“有限换位模式”。梅西安也对非西方音乐感兴趣,将鸟歌和歌曲融入他的歌曲中。

晚期浪漫主义

在上述反对浪漫主义运动的同时,一些音乐家基本上以19世纪建立的浪漫主义(早期浪漫主义)风格作曲。爱德华·埃尔加在英格兰的音乐通常被称为“爱德华国王”。其他大英帝国作曲家创作了许多受帝国各地民歌启发的音乐。这些作曲家包括沃恩·威廉姆斯、巴特沃思、奎尔特和芬齐。弗雷德里克·德利乌斯 (Frederick Delius) 创作的音乐既是印象派又是浪漫主义。俄罗斯的谢尔盖·拉赫玛尼诺夫和德国的理查德·施特劳斯一直保持着浪漫主义风格,直到他们在 1940 年代去世。芬兰的让·西贝柳斯(Jean Sibelius)和丹麦的卡尔·尼尔森(Carl Nielsen)在调性框架内创作了伟大的交响曲。意大利的普契尼创作了一部浪漫主义风格的现实主义歌剧《真实主义》。

其他基于传统的路线

在这个时代,不少作曲家在保留传统作曲技巧的同时,以新颖的方式处理歌曲的调性。这些作曲家包括英国的本杰明·布里顿、迈克尔·蒂皮特和威廉·沃尔顿,以及美国的塞缪尔·巴伯、罗伊·哈里斯和艾伦·霍瓦内斯。德国的保罗·欣德米特(Paul Hindemith)主张“新客观性”,目的是摆脱浪漫主义的审美思维方式。当代音乐的特点之一是,当代音乐的一些作曲家的音乐非常具有宗教性。John Tavener 和 Arvo Pärt 被称为表现出这种倾向的作曲家。

第一次世界大战的影响

1914年至1918年的四年第一次世界大战,要求欧洲“贵族”和“资产阶级”社会结构的基础在此之前倒塌,得到他们的赞助。事实上,大型管弦乐队的交响乐和歌剧直到那时都失去了帮助。在这种情况下,一些作曲家转向流行音乐和电影音乐,还有那些不寻求庇护而试图开拓新领域的人等等。

爵士乐的影响

出生于美国的爵士乐对古典作曲家产生了很大的影响。乔治·格什温 (George Gershwin) 创作的音乐介于爵士乐和古典音乐之间。亚伦科普兰和伦纳德伯恩斯坦将爵士元素融入他们的作品中。在欧洲,拉威尔、库尔特威尔、大流士米豪等人使用爵士乐成语作曲。

日本古典音乐的影响

1912年至1914年在德国留学的山田耕作是日本第一部管弦乐作品《D大调序曲》和第一部交响诗《暗门》和姊妹作品《曼陀罗》。 ,第一次世界大战后的第一部日本交响曲被命名为“Katsudoki and Peace”。

二战古典音乐

纳粹统治时期德国的古典音乐

从 1930 年代纳粹党在德国上台开始,德国的许多犹太音乐家,包括勋伯格,开始流亡德国。纳粹政府批评犹太人、共产主义和当代无调性作品是“堕落的音乐”,并禁止创作此类作品。尤其是保罗·欣德米特的歌剧《马蒂斯·德·马勒》被禁止首演,后来演变成作曲家排斥案,称为欣德米特案,引发了诸如指挥家威廉·富特文格勒发表声明等风波。另一方面,在纳粹执政期间,希特勒喜欢瓦格纳,因此将瓦格纳建造的拜罗伊特节日剧院神圣化,瓦格纳的遗属也走近了它。此外,卡尔奥尔夫的 Carmina Burana 和 Werner Egk 的作品风格基于德国神话、民间故事或传统写作,受到政府的欢迎。

法西斯统治时期意大利的古典音乐

1928年成立的贝尼托·墨索里尼执政时期,比德国早一点,一开始对艺术没有那么多限制,但比如歌剧《图兰朵》,指挥家托斯卡尼尼在其中成为贾科莫普契尼的最后一部作品,在演出《点》时拒绝演奏法西斯党歌,被法西斯党员殴打逃往国外。另一方面,成功演绎歌剧《乡村骑士》的彼得罗·马斯卡尼和以交响诗《罗马的松树》、《罗马的喷泉》和《罗马节日》而闻名的奥托里诺·雷斯皮吉作曲家的作品比如阿尔弗雷多·卡塞拉(Alfredo Casella),他们同样以意大利历史和德国为基础,或者对法西斯党表现出忠诚,受到了政府的欢迎。

维希政府和被占领土上的法国古典音乐

乍一看,1939年因占领巴黎而战败后在中南部自由区建立的维希政府运作正常,法国作曲家的作品也常被纳入其中。对德国、意大利和苏联的激烈艺术没有限制,钢琴家阿尔弗雷德·科尔托被任命为音乐顾问,弗洛朗·施密特和让·弗朗凯克斯等作曲家访问德国。与德国进行了合作,例如让他们做. 另一方面,占领时期法国的一种抵抗运动,需要沉默,正如其他艺术领域所见,如维科尔,音乐,霍内格的第二交响曲和梅西安的世界。结束的四重奏是典型的。

苏联古典音乐

在俄罗斯,苏联是在 1917 年革命后成立的。1910 年代,俄罗斯前卫艺术运动开始流行,Arthur Lourie、Nikolai Roslavets 和 Ivan Wyschnegratsky 发挥了积极作用。但随着政权变得更强大,这些实验性艺术运动被禁止。苏联政治家要求作曲家的“社会现实主义”作为这些运动的替代品,作曲家在他们想要的和他们满意的之间挣扎。在俄罗斯,19世纪音乐作品“交响曲”的作曲传统仍在继续,20世纪苏联创作交响曲的作曲家包括谢尔盖·普罗科菲耶夫、德米特里·肖斯塔科维奇和尼古拉·米亚斯科夫斯基。场地。

1940 年代日本的古典音乐

1940年,举行了神武天皇2600周年2600周年纪念活动,在音乐领域,以2600周年庆典的形式,不仅有国内作曲家,还有国内作曲家。还委托海外作曲家。已经成为日本主要作曲家的山田耕作创作了歌剧《黑船》,还公布了大泽久人、桥本邦彦、深井四郎、大高久忠等年轻新作。其中,信时清的交响曲《海道东政》就是以神木《东政》为基础的康塔塔,极大地激发了当时的民族主义。至于海外委托的作品,自从他组建了日德意三边联盟,德国的施特劳斯《日本天皇诞辰2600周年庆歌》,意大利的皮泽蒂A大调交响曲,维希政府已经就位,法国为庆祝A大调发出了序曲,同为轴心国的匈牙利则发出了Veress Strauss的第一部交响曲。本杰明·布里顿从英国寄来了安魂曲交响曲,但因作品内容被拒绝演奏并被委托到美国,但因美日关系恶化未能实现……

美国的古典音乐

1940年代,随着德意法西斯政权和俄罗斯共产主义政权的诞生,美国接受了许多德国人、意大利人、俄罗斯人和犹太人的庇护。流亡美国的音乐家包括勋伯格和斯特拉文斯基的核心人物,还有欣德米特、托斯卡尼尼、巴托克·贝拉和逃离法西斯政权的犹太人埃里希·沃尔夫冈·科恩戈尔德、奥托·克伦佩勒、布鲁诺·沃尔特等人流亡海外.

战后潮汐

达姆施塔特管弦乐团

二战后不久,1946年在德国达姆施塔特举办了达姆施塔特夏季当代音乐工作坊,勋伯格此前一直在舞台上消失的“十二音技法”被重新发现。 , Pierre Blaze, Karlheinz Stockhausen路易吉·诺诺(Luigi Nono)受此影响。他们提出了total serieism,它不仅使用了所有12个音符,而且在音符值和强度方面引入了列的概念。许多参加本次工作坊的作曲家,包括 Blaze 和 Stockhausen,也在他们的歌曲中使用基于电信号的声音进行了实验。

偶然性

针对欧洲这种更严格的系列化趋势,1950年代的美国,约翰·凯奇和莫顿·费尔德曼带头,以中国易经和图形符号为主题的偶然性正在形成。尤其是凯奇的《4'33》,堪称该领域的杰作。

电子音乐和具体音乐

20世纪50年代以后,作为作为声音处理的事物的实体,自然界中不存在的电子音乐寻求更大的规模,相反,将现实世界中存在的乐器以外的所有声音作为音乐的音乐. Concrète 出现了,这些通常被视为二项式冲突区域。这些冲突的音乐解决方案是通过斯托克豪森男孩的歌曲提出的,他具有电子音乐和具体音乐的两个特征。

电子音乐

从20世纪初开始,电风琴、特雷门、Ondes Martenot等电子乐器被开发和发明,战后,梅西安的Turangalîla Symphony和Edgard Varese的Equatorial发表。1950年代,由于电子电气技术的发展,卡尔海因茨·斯托克豪森开始利用这种技术创作作品,并在日本、美国、法国等地建立了电子音乐工作室。斯托克豪森指出,电子音乐有四个特点。多层空间中的统一时间结构声分组合 噪音和声音均衡

具体音乐

1948 年,当 Pierre Schaeffer 组建了一个具体的音乐团体时,Musique concrète 开始在法国广播电视台播出。汽车喇叭、鸟叫、人的笑声等乐器以外的自然界中存在的所有声音,是通过录音将自然界中存在的所有声音融合在一起的音乐,一边听一边想象这些声音的身份和意义。这是一种趋势。

极简主义

在 1960 年代,认为同一时代的大部分音乐过于复杂的作曲家主要出现在美国。这种时尚被称为“极简主义”或“重复音乐”,与这种复杂的方法相反,音乐是通过在重复简短的主题的同时一点一点地进行细微变化来发展作品的。这些流派的代表作曲家及其作品包括史蒂夫·赖希的《十八位音乐家的音乐》和约翰·亚当斯的歌剧《原子博士》等作曲家。

注解

脚注

参考文献

阿诺德勋伯格《勋伯格音乐精选》,上田明、千曲学艺文库译,2019年9月10日。Jean-Yves Bossour,理解当代音乐的88个关键词,栗原志子译,音乐之智社,2015年9月30日。Motoharu Kawashima,Mt. Kiishi,“第一个 <de-music> 音乐友好的现代音乐创作方法” Jiyu Hyundaisha,2018。Makoto Miyashita 《20 世纪音乐经典的命运》 Kobunsha Shinsho,2006 年 9 月 20 日。沼野雄二,“当代音乐的历史,不断奋斗的艺术的未来”,Chuko Shinsho,2021 年 1 月 25 日。Nobuko Goto, Kosaku Yamada, Born, Not Made, Minerva Shobo, 2014 年 8 月 10 日。龟山郁夫《俄罗斯前卫》岩波新章,1996 年 6 月 20 日。